Платон Инфанте & Дарья Коновалова Инфанте «20.02.20»
Вектор искусства Платона Инфантэ и Дарьи Коноваловой-Инфантэ предопределен генетически. Его направление прогнозируемо уходит в языковое пространство Русского Авангарда, в пространство лишённое жёстких стилистических очертаний и содержательных констант, но заключающего в себе особый энергетический импульс, особый потенциал созидания формы в её осмыслении.
При всей относительности подобного рода атрибуции применительно вышеупомянутым авторам, безусловным окажется восприятие ими программных установок, определивших в своё время язык и художественные доминанты им близких (во многих отношениях) художников — Франциско Инфантэ и Нонны Горюновой. Параллели здесь закономерны, но именно параллели как независимые линии развития, пребывающие в едином содержательном поле.
Художественное высказывание Франциско и Нонны не дифференцирует авторского участия, предлагая зрителю единый результат, внутреннего диалога сокрытого от зрителя. В случае с Платоном и Дарьей, речь идёт именно о диалоге визуально определимом, где присутствуют два автора.
Платон воспринимает директорию унаследованную у Франциско и Нонны, но с важным отличием. Будучи человеком иного поколения, он работает с иным визуально-содержательным контекстом и моделирует, доводя до перфекционизма своё высказывание, прибегая к иным технологиям, определяющим его художественную лексику. Применительно к данному проекту он работает с антитезами, совмещая сложную в своём исчислении компьютерную программу и сделанный вручную рисунок, индифферентный глянец монитора и бархатистость бумаги с утончённой линеарной графикой.
Предельный минимализм в решении образа, где, по словам автора, «вектор человеческого мышления, перемещается сквозь циклические окружности мыслей» воспринимается на созерцательном уровне. Его произведение заключает в себе несколько планов восприятия и прочтения. В данном случае речь идёт об «отпечатке» присутствия автора, его индивидуального жеста, артикулированного в наличии пастельного рисунка, фиксирующего время и объясняющего специфическое название выставки, обозначающего дату её начала.
Антропоморфный «отпечаток» присутствия автора в анонимном пространстве цифры находит своё развитие в проекции видеомэппинга, обыгрывающего принцип передачи информации условным подобием «шумерской» цилиндрической печати.
Рельефные диски Дарьи, вступая в упомянутый диалог с Платоном, отображают нечто близкое к его художественной программе. Она отображает в едином замысле выверенные в своих расчётах геометрические построения с жёстким штрихованным рисунком, реализуя в своих объектах визуально динамичные пространства.
И Платон, и Дарья пребывают в пределах метафорического понимания искусства, не выходя на уровень абсолютизации цифры как таковой. Вопрос границы восприятия здесь чрезвычайно важен. Их искусство знает внутреннюю регламентацию, определяемую традиционным пониманием гармонии, ритма, композиционного решения и всего того, что присуще художнику в его формулировании понятия красоты.
«Теория струн» Александра Пономарева

Крокин галерея
представляет выставку
Александра Пономарева
«ТЕОРИЯ СТРУН»
/инсталляция из бетона, графика/
до 17 ноября 2019
Целостное восприятие мира, его гармоничное устроение и его строй фокусируется в творческих установках и доминирующем векторе того, чем многие годы занимается Александр Пономарёв.
Гигантские инсталляции, многосложные объекты, немыслимые по своему охвату игры с пространствами, морями-океанами, островами-материками в принципе укладывающиеся в практику современного искусства, применительно поиска Пономарёва очень часто оказываются выразительным контекстом чего-то, остающегося за кадром.
Он давно стирает границы, выходя из формата искусства в иные дисциплины, в теоретическую физику, астрономию, океанографию и обратно. Его искусство давно и органичносуществует на стыке различных институций; междисциплинарное по своей природе оно заключает массив художественных практик, и технологий. Вопрос в акцентах.
Они в тех областях, где теоретическая физика с её «Теорией струн» неведомым образом раскрывается в художественном жесте; перебираются струны неведомого инструмента, продуцирующего волну и создающего особую атмосферу творческой мотивации.

Пономарёву интересен процесс, его фиксация, его самоценность;для него он и тактика и стратегия. С лёгкостью играя масштабами, которые всё труднее втиснуть в кубометры выставочного пространства, он стремится быть в эпицентре, в «центре циклона», периферия для него не имеет смысла. Его рисунок проступает на морских картах, переиначивая заданные маршруты, растворяя изображение пучками линий собственной навигацией. Он играет с казалось бы, незыблемым, меняя функционал субмарин, растворяя в тумане острова, воспроизводит волны из бетона. Он стремится быть сопричастным большому процессу, где сопричастность окажется ключевым словом в восприятии его монолога, его поэтики персонального эпоса.
Гигантская инсталляция, распирающая пространство галереи, включает в себя многосложную метафору — бетонный корабль, бороздящий бетонное море. Вся композиция перевернута, и бетонный дым, вываливаясь из бетонных труб, разливается по полу, своеобразной оси умозрительной симметрии. Зрительоказывается по иную сторону этого незримого пограничья и рассматривает происходящее как бы с неба, как бы вниз головой. Здесь всё выстроено и понимаемо по принципу симметрии, прямого обращения к теоретическим положениям экспериментальной физики, к так называемой «теории струн».

Следуя в данном фарватере, Пономарёв в своём понимании «Теории струн» говорит как раз о сопричастности целому, его масштабу, глубине и тому, что вообще невозможно отследить, а иногда и изобразить.
При всей монументальности образа, при всём его масштабе и предельной выразительности, Пономарёв реконструирует нечто внутреннее, своё. Он воспроизводит Теорию Струн, свою Теорию Струн, в контексте и векторе многосложной легенды, где самавтор homoviator — человек путешествующий, её слепок, онтологически с нею связанный в пространстве «глубокого ощущения чуда».
«Вокруг «Циклопа» Франциско Инфантэ и Нонны Горюновой

Крокин галерея
представляет выставку
Франциско Инфантэ и Нонны Горюновой
«ВОКРУГ «ЦИКЛОПА»
/фотоинсталляция/
до 22 декабря 2019
Фотоинсталляция Франциско Инфанте-Арана и Нонны Горюновой «Вокруг «Циклопа» воспроизводит в залах галереи пространственную конструкцию, выстроенную ими в мае прошлого года во Франции (Milly—la—foret. Директор Национального Художественного Центра “Le“Cyclop” de Jean Tinguely” Франсуа Тайлад(Francois Taillade).
Местом действия стал лес города Милли-Ла-Форет, опоясывающий гигантское сооружение «Циклоп» знаменитого швейцарского скульптора Жана Тэнгли (Jean Tinguely), его жены художницы Ники де Сан Фаль (Niki de Saint Phalle) и друзей художников. Идея создания и начало работ над этим гигантским сооружением состоялось в 1969 году, а сам процессрастянулся на четверть века.
«Циклоп» Тэнгли с выразительной зеркальноймаской и грудой металлического лома высотой более двадцати двух метров стали художественно артикулированной метафорой, содержащей в себе «ген» разрушения и тлена. По изначальному замыслу Тэнгли, его «Циклоп» становится выразительным ответом на внутриевропейский левый дискурс тогдашней Франции, ещё не остывшей от студенческих волнений. Но в процессе сооружения многосложная задумка из стекла и металла обрела новое качество, содержательную и формальную вариативность, а, растянутая во времени практика интерактивного осмысления этого объекта приглашенными к сотворчеству художниками, мотивировала разнообразие художественных высказываний.

Франциско Инфанте-Арана и Нонна Горюнова своей пространственной инсталляцией вошли к этот нескончаемый процесс. Их ответом в умозрительном диалоге с легендарным швейцарцеми его энтропийными установками стала выразительная антитеза — метафора равновесия и порядка, выраженная в сложной горизонтальной конструкции из натянутых нитей, выстроенной в виде «паутины» в парковой зоне вокруг «Циклопа».
Формально-содержательный план проекта Франциско и Нонны традиционно для авторов основан на тонкой игре, на генерации новыхпространств, на парадоксальном сопряжении антитез – вертикали/горизонтали, статики/динамики, тяжёлого/лёгкого, глухого/прозрачного.
В контексте доминант — тяжелой предметной вертикали Тэнгли и легкой прозрачной горизонтали Инфантэ выстраивается новый «текст», новая программа по интеграции двух самодостаточных, изначально противоположных художественных высказываний в единое произведение.
Москва, Климентовский пер. 9/1 (м. Третьяковская)
+7 964 564 0303
Выставки 2019
21.11 — 22.12 Франциско Инфантэ и Нонна Горюнова «Вокруг «Циклопа» /фото-инсталляция/
10.10 — 17.11 Александр Пономарев «Теория струн» /инсталляция, графика/
04.09 — 06.10 Сергей Шутов «Ризомы» /живопись, объекты/
26.07 — 01.09 Групповой проект «Триптих», Владимир Анзельм, Наталия Турнова, Дмитрий Цветков
26.06 — 21.07 Александр Панкин «Геометрия имени» /графика/
22.05 — 23.06 Константин Батынков «Всюду жизнь» /живопись/ проект в галерее и в Российской Академии Художеств
18.05 — 19.05 Участие в Арт-ярмарке DA!MOSCOW (стенд А7) Владимир Анзельм, Ольга Горохова, Алексей Гинтовт, Константин Батынков, Наталия Турнова
18.04 — 19.05 Владимир Ситников «Под ногами» / графическая инсталляция/
13.03 — 14.04 Александр Джикия «Минойская серия» /графика/
13.02 — 10.03 Михаил Молочников «Между мыслями» /графика/
10.01 — 10.02 Антон Чумак «Битва за урожай» /живопись, объекты/
Exhibitions 2019
21.11 — 22.12 Francisco Infante & Nonna Goryunova «Around the «Cyclop» /photo-installation/
10.10 — 17.11 Alexander Ponomarev «String theory» /installation, graphics/
04.09 — 06.10 Sergey Shutov «Rhizomes» /paintings, objects/
26.07 — 01.09 Group project «Tryptich» Nataliya Turnova, Vladimir Anselm, Dmitriy Tsvetkov
26.06 — 21.07 Alexander Pankin «Geometry of a name» /graphics/
22.05 — 23.06 Konstantin Batynkov «Life is all around us» /paintings/ (at the gallerys’ and the Russian Academy of Arts’ halls)
18.05 — 19.05 Participation at the DA!MOSCOW art-fair (A7 booth) Vladimir Anselm, Nataliya Turnova, Olga Gorokhova, Alexey Guintovt, Konstantin Batynkov
18.04 — 19.05 Vladimir Sitnikov «Underfoot» /graphic installation/
13.03 — 14.04 Alexander Djikia «Minoan series» /graphics/
13.02 — 10.03 Mikhail Molochnikov «Among the thoughts» /graphics/
10.01 — 10.02 Anton Chumak «Battle for the harvest» /paintings, objects/
Выставка Антона Чумака «Битва за урожай»
Крокин галерея
представляет
АНТОН ЧУМАК
«БИТВА ЗА УРОЖАЙ»
/живопись,объекты/
Выставка открыта до 10 февраля 2019
Вход свободный по предварительной записи
+7(964)564-0303
Климентовский пер. 9/1 (м. Третьяковская)
Битва за урожай — устойчивое выражение из советского прошлого. Несмотря на весь модернизм времен «серпа и молота», пропаганда борцов за светлое будущее быстро осознала необходимость опоры на традицию, в том числе на традицию героическую.
Таким образом, «закалялась сталь» одновременно с формированием новой мифологемы, нового эпоса с вождями революции, стахановцами, челюскинцами, позже строителями БАМа и покорителями космоса.
В унисон с задачами элементарного выживания пришло осознание того, что героизм востребован не только на войне, но и в мирное время, а самоотверженный труд во имя великой цели заслуживает особого почитания с занесением в летопись и пантеон строителей коммунизма. При безусловном доминировании культа всесоединяющегося мифологема наполнилась неизбежным дополнением в виде восхваления подвига коллективных аграриев, призванных не только покорить природу, поднять целину, но и вынести на своих мускулистых плечах тяготы героической битвы за урожай, битвы за существование.
Проект «Битва за урожай» визуализирует это действо сквозь собственную мистифицированную оптику, соединяя эстетику советского аграрного юга и героический эпос архаики причерноморских степей, вбирая в единое содержательное пространство шум табунов железнодорожных составов.
Взгляд на мир из настоящего сплавляет воедино слои предшествующих эпох, разделённых тысячелетиями.
Миф, укоренённый в «культурных слоях» самоидентификации народов, живуч, вариативен и способен к трансформации. Так и советская мифологема с её битвой за урожай органично отождествляется с космогонией времён переселения народов, с присущим ей арсеналом средств и образов мировосприятия.
Проект «Битва за урожай» — это своеобразная «археологическая» мистификация, попытка применить единую мифологическую оптику на мир античный и наше недавнее прошлое. Такая оптика позволяет воспринимать Советский Союз и его эстетическую атрибуцию, минуя свойственные ей априорные идеологические установки. Век сменился — прошлое становится поэтичной метафорой и престаёт довлеть над настоящим.
Антон Чумак
Выставка «СОЛЬ» Татьяны,Сергея и Анны Костриковых

КРОКИН ГАЛЕРЕЯ
представляет
СЕРГЕЙ, ТАТЬЯНА и АННА КОСТРИКОВЫ
«СОЛЬ»
/объекты,видео/
Выставка открыта до 6 января 2019
Вход по предварительной записи: 8(964)564-0303
Крокин галерея
Москва, Климентовский пер. 9/1 (м.Третьяковская)
Принцип руинированности объекта искусства на протяжении многих лет является формальным приёмом и содержательным наполнением авторской программы Сергея и Татьяны Костриковых, определяет вектор её развития, визуализируя одно из принципиальных составляющих бытия искусства — метафору времени.
Руинированность стала неотъемлемым атрибутом и спутником нашего представления об эпохах развитых цивилизаций, столпов постулируемой незыблемости, декларативного цветения и мощи; цивилизаций, превратившихся в эхо, сообразованное из фрагментированного пазла дошедшего до нас «послания человечества».
Иероглифические тексты кракелюра развивают изначальный замысел неведомого нам автора
воспринимаемого ныне в формах некоего nature morte, читаемого в паутине умозрительной завесы, отделяющей явное от сокрытого. Именно здесь, в пространстве этой странной игры возникает парадоксальная ситуация особого отношения к предмету, «обожжённого»
временем, как к чему-то безусловно подлинному, сопричастному великому, почти сакральному, почти свидетелю, претерпевающему фантомные боли некогда совершенной формы.
В руинированном виде до нас дошло большинство произведений Античности, Средневековья. Однако в элементарном виде предстаёт и нечто более позднее, настораживающее близкое к нам — фрагменты сталинского ампира.
При апелляции к прямому цитированию, художники не используют готовые формы, а прибегают к авторской реплике, воспроизведённой в неожиданном для прототипа материале.
Этим материалом оказывается соль. Лишённая своего прямого назначения, она являет новое содержание, симбиоз смыслов и семантического наполнения, свойственного архетипу, глубоко укоренённому в пространствах культуры.
Видео Анны Костриковой развивает основную тему выставки «Соль», насыщая её образный контекст дополнительным содержанием. Микросъёмка фрагментов сталинского ампира, атомизируя объект до уровня тактильного восприятия, отсылает к архетипам ушедшей эпохи, к барельфным прототипам того, что сегодня обретает особое прочтение, особый язык и восприятие. Именно в этом сопряжении настоящего и прошлого следует рассматривать появление в кадре некоего музыканта и превращение кинодокумента в нечто игровое, соединяющее молчание ветхих артефактов прошлого с неизменно звучащим настоящим.
Выставка Владимира Анзельма «Гигантомахия» на Пречистинке, 19
Крокина галерея и Российская Академия Художеств
представляют выставку
Владимира Анзельма
«ГИГАНТОМАХИЯ»
В ЗАЛАХ ГАЛЕРЕИ ИСКУССТВА ЗУРАБА ЦЕРЕТЕЛИ
ПРЕЧИСТЕНКА, 19
Выставка работает до 25 ноября 2018

ПРОФИЛЬ ВРЕМЕН
Империя никогда не исчезала – так говорит один из персонажей фантаста Филипа Дика. Так думаю и я, когда смотрю на работы Владимира Анзельма.
Империи рождали большие пространства, а большие пространства порождали большие идеи в тотальном, гегелевском смысле. Так когда-то рождался и фундамент наций.
Анзельм существует на пересечении культур – русской и немецкой. Но национальные коды автор превращает в темы для размышления, в глубокие визионерские сопоставления, пронизанные порой тоской по великим и канувшим в прошлое эпохам.
Какие монологи транслируют головы монументальных статуй на полотнах-мешках, чем-то на похожих на древнюю кожу?
Возможно, эти знакомые профили напоминают нам об архетипах, о вечных и навязчивых, и очень глубинных образах, вспыхивающих в сознании творцов, начиная с эпохи Фидия и Лисиппа. В их яркой холодности и отстраненности созидается особый момент: код автора, личное превращенное в линию.
Первоначальное предназначение скульптур греки видели в обрамлении храмов, где пифии и сивиллы общались с богами Олимпа. Наделение камня духом было мистической потребностью, в мире легендарных героев, противостоявших фатализму закона богов и жертвоприношения.
Анзельм считает: «Человек эпохи Модерна оторвался от «неба», потерянный или самодеятельный человек сам себя легитимизирует без Бога, без соотношения с трансцендентальным.
Перекладывая классику в авангардистскую интерпретацию, Анзельм оборачивается к образам прошлого, к эпическому накалу героических времен. Там рождалось подлинное. Там варвар становился римлянином, а раб – ратоборцем.
Дух плодотворных времен непременно возникал из родства и земли. Но время противостоит древним заветам с помощью новаций.
И тут Владимир Анзельм поясняет: «Человек с помощью техники становится сверхчеловеком или титаном. Возникают тоталитарные импульсы. Плюс массовый способ уничтожения: как на войне, так и в расчетах потерь. Теряется героический смысл войны, как преодоления себя, познания экстремальных напряжений. Это тема развита у Юнгера в «Стальных грозах», «Излучениях», «Гелиополисе».
Авторский отсыл не был бы окончательным, если бы фоном к мятежным образам не стал бы суровый пейзаж, в котором словно во сне парят скульптурные цитации Анзельма. Стихия горных хребтов, ледяных айсбергов, мерцающих глетчеров – все это путь к вершинам, к духовной субстанции, овеянной вселенским сиянием.
Мир образов Анзельма состоит из противоречивых гипербол из благородных спекуляций. Его фундамент эмоциональная тоска о героической эпохе, где человек борец, ратник пребывает в титаническом напряжении. Он противостоит холодным ветрам севера, ледяному натиску необоримого космоса. Это борение вечно, а победа в нем едва ли достижима.
В содержательном плане проект «Гигантомахия» Владимира Анзельма, это, по его же определению, — «возвращение к человеку «земли» в духе античного миропонимания, с определением места человека в иерархии античного космоса, человека как части природы, титана, порождении земли, человека хаоса, лишённого представления о трансцендентном». Здесь вновь звучит, хрестоматийная тема немецких философов и романтиков — тема, экзистенциальной заброшенности, потери смысла жизни и трагедии нигилизма. В русле идей Ницше с его «потерей связи с божественным».
Путь художника Анзельма – это путь личного понимания, труда, борения в житийном смысле, где каждое движение – открытие собственных возможностей в постижении вселенской Энигмы.
Олег Шишкин. Профиль времён

495.637.25.69
www.rah.ru
964.564.03.03
www.krokingallery.com
Экспозиция выставки Наталии Турновой в Новой Третьяковке
Выставка «Безмолвствующие» проходит в 38 зале Новой Третьяковки на Крымском валу до 25 ноября 2018.
https://www.tretyakovgallery.ru/exhibitions/nataliya-turnova-bezmolvstvuyushchie/
Выставка Наталии Турновой в Новой Третьяковке!

ГОСУДАРСТВЕННАЯ ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ
&
КРОКИН ГАЛЕРЕЯ
представляют
НАТАЛИЯ ТУРНОВА
«БЕЗМОЛВСТВУЮЩИЕ»
/живопись, объекты/
Выставка открыта до 25.11.2018
8.964.564.03.03
НОВАЯ ТРЕТЬЯКОВКА
КРЫМСКИЙ ВАЛ, 10, Зал 38
www.tretyakovgallery.ru














